Nanouk el esquimal

Nanouk L'Esquimau
Robert Flaherty
Francia-Antártida
1922


Entre los padres del cine, Flaherty está considerado de los documentales. Es de admirarse su empeño por conocer bien lo que va a documentar, conociendo tan bien la vida de los esquimales, después de haber pasado varios años viviendo con ellos, comiendo y durmiendo como ellos. Como es lógico, filmar en una remota punta del mundo es bastante complicado, desde los aspectos cinematográficos como la luz y la falta de ella, hasta los aspectos de supervivencia. A partir de este punto se entiende el que halla hecho tomas recreadas, para poder hacer uso de la luz. Sin embargo, Flaherty fue mas allá, al meter el género dramático al género documental, de una manera muy sutil para la época. Las personas pasaron a ser personajes, representándose a sí mismos, los paisajes naturales llegaron a ser en ocasiones sets, las herramientas pasaron a ser manipuladas según la tensión que podrían causar, los personajes se convirtieron también en directores y editores, y las situaciones cotidianas lograron llegar a ser situaciones cómicas, mostrándonos un retrato de esquimales muy felices, a pesar de no tener todos los avances del "mundo moderno"



Nanouk nos narra la difícil vida de una familia esquimal, enseñándonos su único propósito en la vida: encontrar comida que los alimente los próximos días. Para ello nos muestra los diferentes métodos para encontrar comida, y cómo se las ingenian para ser buenos cazadores. Hay un momento en el que nos muestra como Nanouk sale a pescar entre pequeños y frágiles islotes de hielo, que me parece cinematográficamente un gran reto. Para eso, Nanouk tiene que viajar a través de las islitas flotantes, que se tambalean al sentir su peso, demostrando lo frágil que es su vida en ese momento. Encuentra un lugar perfecto y comienza a atrapar sus peces. La cámara no pierde detalle en ningún momento. Filmar algo así debe de ser muy complicado, desde el punto de vista de donde colocarse, enfrentando de cierta forma al mismo peligro, y con una delicadeza de imagen, preocupado por el encuadre, por la toma que también sea descriptiva, mostrando a detalle hasta el momento en que captura el pez.



Saber cazar es indispensable para la vida de éstos personajes. Vemos a los perros hambrientos alborotarse ante el primer indicio de comida, notándose lo hambrientos que están. Flaherty crea un momento bastante cómico, y a la vez de tensión, en el que Nanouk lucha contra una morsa que se encuentra debajo del hielo, y que puede pescar a través de un pequeño hoyo. La posición de la cámara, sin tener gran movimiento, nos sujeta, y a la vez nos muestra todos los elementos que quiere que veamos, poniéndonos tensos en cada momento, viendo a la familia en segundo plano al fondo, y a Nanouk solo luchando con un animal que pesa mucho mas que el, y que seguramente tiene mucha mas fuerza. Después de haber atrapado la morsa, y de haberse alimentado, tienen que hacer una fuerte lucha contra el tiempo, para llegar a su refugio a tiempo, con el retraso causada por la pelea del perro guía con otro, creando otro momento de tensión.



Imagino el poder que habrá tenido en su época, abriendo al mundo entero a conocer una forma de vida tan difícil, creando una apertura en el pensamiento. Es impresionante como logró un éxito comercial, e inclusive comienza a usar métodos de marketing, como en el pedazo que Nanouk va con el vendedor de pieles, demostrando que el cine no está peleado con lo comercial, sin que por ello signifique que tengas que hacer algo mal hecho.

Dial History

Dial History
Johan Grimonprez
1997

El terrorismo, un tema de hoy. Gromonprez maneja el tema desde sus inicios, de una manera crítica, pero a la vez burlona, enseñándonos cómo los medios de comunicación son el principal difusor, exhibiendo cómo los terroristas usan este medio para que sus ataques sean exitosos, y los medios también aprovechan este hecho. Nos muestra, mediante la apropiación de imágenes, como el secuestro de aviones empezó con fines revolucionarios, que tenían un fin específico, hacer que la gente entienda cuáles son las razones de su lucha, y por supuesto, tener mayor difusión. Lentamente los secuestros se comenzaron a volver mas violentos y con menor aceptación social. Lo que empezó con el invento de una persona diciendo que cargaba con una bomba, evolucionó hasta llegar al punto de los aviones siendo explotados realmente, e incluso hasta sus peores consecuencias, como sucedió con las Torres Gemelas.



Los medios hacen que la gente tenga miedo. Grimonprez nos muestra un aviso televisivo, en el que te explican cómo evitar ser una víctima de un secuestro aéreo, con medidas tan ridículas que incluso es difícil de creer que lo hayan puesto en la televisión. Por supuesto, Grimonprez se burla de ello, cómo lo hace a lo largo de su documental de este tipo de repuestas mediáticas. También nos muestra cómo los medios dramatizan los hechos que pasan. Vemos cómo la gente abandona las calles y sus trabajos para presenciar el primer secuestro pasado por la televisión. Se hace todavía mas dramático cuando cae un cuerpo del avión.



Hay una frase que me llamó mucho la atención, que dice "hazte notar, se asesinado". Me parece impresionante el impacto que una frase tan corta tiene mediáticamente. El documental usa muchas veces recursos como este, de material apropiado, y en ocasiones hace un juego de lo auditivo con lo visual, haciendo que ambos se complementen, aunque no siempre van a la par. En ocasiones nos bombardea con muchas imágenes, a veces muy violentas, que en cierta forma, siento que la intención de Grimonprez era precisamente la de hacer una analogía con el tema que está tratando en el documental. Ver el piso siendo limpiado de un enorme charco de sangre es tan violento como ver un cadáver, al igual que el ver una bota quemada, tirada en el suelo; pero a la vez tiene un juego muy peligroso con la mente del espectador: la imaginación. El espectador fácilmente recrea el momento en su cabeza, posiblemente muy distinta a lo que realmente sucedió, dándole al medio todavía un mayor poder.

Un día en la vida de Tarkovsky

A day in the life of Andrei Arsenevich
Chris Marker
Francia-Rusia
2000


El documental parte de la llegada del hijo del importante cineasta ruso, Andrei Tarkovsky, después de haber sido preso político por cinco años. Sin embargo, al llegar a la casa, vemos a un Tarkovsy débil, enfermo, pero que con mucho gusto recibe a su hijo. Para mí este momento es muy fuerte emotivamente; uno de los cineastas mas importantes del mundo, derrumbado en una cama, recibiendo a su hijo que no había podido ver en años, editando su última película, "El Sacrificio", su último legado. Marker, con su estilo peculiar de filmar, nos muestra este recibimiento que Tarkovsky y su familia hacen, nos muestra desde cierto punto sus pensamientos, cómo un gran cineasta ve el mundo.



Repentinamente, Marker nos lleva a un viaje de unos meses atrás, cuando Tarkovsky filmaba "El Sacrificio". Vemos un director que tiene bien puestos los pies en la tierra, al estar filmando la famosa escena de la casa en llamas, que tiene que volver a filmar después de que en la primera ocasión no saliera. Marker nos pone en un momento de tensión, al hacernos saber que esta es su segunda y última oportunidad de que salga la toma. Nos muestra la relación de Tarkovsky y su fotógrafo, tan peculiar. Cada uno realiza la toma en su propio dolly. Vemos a detalle como se fue realizando el segmento, y cómo eran dirigidos todos en ese momento.





Las tomas, como es el estilo de Marker, son muy limpias y descriptivas, a pesar de casi siempre ser cámara en mano, haciendo un juego siempre con el texto, haciéndonos conocer lo que Tarkovsky pensaba. Marker es un espectador, y a la vez nos lleva tan adentro de sus vidas que nos hace sentir como un miembro más. Frecuentemente busca la mirada, la expresión que ésta puede darnos. Nos hace sentir tan nostálgico ver a un gran cineasta en sus últimos tiempos, y cómo luchó hasta el final por hacer lo que amaba, compartiendo ese amor con nosotros, y junto con la situación social del momento.

Sin Sol

Sans Soleil
Chris Marker
1983
Francia


Una reflexión del cine hacia el cine. En esta película, Chris Marker invita al espectador a formar parte de un mundo "desconocido", y hacer sus propias conjeturas. La película te lleva a lo largo de un viaje a través de culturas y regiones "no occidentalizadas", a través de imágenes, y unas cartas escritas por el viajero. El documental tiene varios niveles de lecturas, desde la lectura obvia y sencilla, que consta de lo visual y auditivo, hasta reflexiones filosóficas de la imagen, cuestionándola en sus diferentes niveles; la imagen televisiva, el significado que puede conllevar la imagen, manipularla y hasta lo que significa tener una cámara. Hace un juego con la luz y sus usos, desde el punto de partida que significa no tenerla, que para el cineasta significa que no hay cine.



Sans Soleil hace un contraste de culturas. Te muestra la singularidad de cada una, y también las cosas bellas de ellas. Un momento que ante mi parecer es muy hermoso es el segmento en el que una chica está aprendiendo a bailar algo que para nosotros podría considerarse "ridículo", pero ella trata de seguir los códigos que la mayor parte de los que la rodean conocen. Chris Marker no se limita a tomar el papel de un simple espectador, sino que se mete dentro del momento, nos hace sentir parte del baile. Con una edición impecable, hace un juego de tomas, desde el close-up de la chica, enseñándonos su mirada nerviosa y su actitud dispuesta de aprender, hasta tomas abiertas en la que vemos cómo interactúa con su entorno, frente a varios espectadores.
Al principio de la película, nuestro viajero comienza planteando sus escenarios. A pesar de que la cultura occidental no es vista directamente en la película, la cuestiona varias veces. En un punto nos habla de cómo puedes encontrar un lugar en el que no importa quién seas, eres igual al que está a tu lado. Para explicar esto, hace uso de varios recursos, entre ellos el de la metáfora, que es un recurso al que acude mucho: usa metáforas visuales para vincular el texto, usa metáforas textuales para vincular la imagen e usa metáforas visuales para vincular la imagen. En ocasiones su tono puede ser muy serio, en otras puede ser irónico, en otras reflexivo, cambiando constantemente el tono a su conveniencia, pero siempre con una razón de trasfondo para hacerlo. Otro de los recursos bastante apreciados por Marker es el simbolismo; todo el contenido de la película contiene un lenguaje simbólico, partiendo de cómo inicia la película, haciendo un juego desde el ojo humano hasta el lente de una cámara. A través de este lenguaje tan sofisticado nos va dando razones para seguir reflexionando. Hay un momento que para mi es muy hermoso, en el que dice: "Yo pasaré mi vida tratando de entender la función de recordar, que no es lo contrario de olvida...". Esa reflexión tiene un gran poder en mí, porque la comparo con el cine, y digo, el cine está haciendo justamente eso, capturar la memoria de una forma que el hombre no puede. A lo largo de la película volvemos a ver que es mencionada la memoria de diferentes formas, lo que me hace pensar que Marker consideraba muy importante la memoria como medio de cine.



La mirada. Marker busca la mirada, demostrándonos el peso de la mirada, lo que la mirada es capaz de transmitir. Hay un momento en especial en la que la cámara parece retar a un duelo a una chica, retándola a ver, y ella tratando de evadir la cámara. En cierto momento voltea a verla, una pequeña fracción de segundo, lo que Marker menciona como 1/24 parte de segundo, tan solo un cuadro de la película fílmica, pero que lleva con ella un peso muy fuerte. Mediante de cuadros muy cerrados, close-ups muy íntimos, busca la expresión de las personas, la singularidad de cada una, lo que cada persona puede transmitir. Nos dice que para él es tonto querer que la gente no vea a la cámara, diciéndonos, ya sea visualmente o con palabras, lo poderosa que es, y lo llena de cosas que transmitir.

Jean Painlevé

Jean Painlevé
1902-1989

Un director de cine muy raro. Sus documentales han transformado al mundo, desde de vista científico, filmico e inclusive submarino. Es muy interesante su forma de tratar al cine, y todo lo que logró. Su cámara es siempre observadora, sin dejar que ningún detalle se le escape. Utilizó varios recursos y técnicas impresionantes, empezando por el uso de una cámara subterránea, por la filmación a través de un microscopio, slowmotion, aceleración de la imágen, magnificación, y sobre todo una cámara muy paciente. Sus cortos siempre están cargados de un ritmo excelente, y una composición impecable. Contiene una trayectoria impresionante en cuanto a los avances con los que contribuyó, tanto en le cine, en la ciencia e inclusive en el buseo.


Un magnífico ejemplo de un corto impresionante, y bien realizado, es el de "Historias de amor de un pulpo". Su forma narrativa es excelente. De igual forma es de admirar su habilidad para gravar al pulpo, tanto en sus guaridas como en sus momentos de intimidad. Sin duda, el pudor no era algo que le importara mucho, trascendiendo siempre las barreras tanto físicas como morales. Hay especialmente un momento que me parece muy impresionante, inclusive para esta época. Es muy normal ahora ver a dos animales teniendo sexo en National Geographic. Pero Painlevé trasciende, haciendo tomas impresionantes, como el close up que hace de los espermas al estar pasando de un pulpo a otro. Acompañado además de una narrativa en ocaciones cómica, y pícara; un humor difícil de imaginar en esa época. Otro momento también muy impresionante es el momento del nacimiento de miles de pulpos, con tal detalle que no deja de impresionar. Un momento muy parecido es cuando vemos a los camarones nacer en el corto "Shrimp tales". Un momento que imagino habrá sido muy controversial en su momento es cuando habla de poligamia, entre otros temas sexuales como de animales hermafroditos.


El surrealismo siempre fue un fiel acompañante de Jean. Es impresinante como te muestra un mundo real, pero tan impresionante que hasta a los artistas del momento quedaron impresionados, y tan aparentemente surreal que ni la ciencia se atrevía a aceptar. El cambio que maneja del cine de blanco y negro al color es muy bien manejado. Sus colores tan vivos. La música de acompañamiento nunca está de más. Es tan hermoso ver a los moluscos flotar al ritmo de la música, con una ligereza tan hermosa. Su música nunca está fuera de lugar, sino que al contrario, siempre interatúa con los "personajes" de la película. Su creatividad no tiene límites. Siempre termina sus películas con una manera muy ingeniosa de decir "fin", al igual que esta entrada.